張侃胤

薩克斯管問世于十九世紀中期，比J.S.巴赫所在的年代晚了一個世紀，在時間上沒有交集，所以巴赫并沒有為薩克斯管創(chuàng)作過任何作品。但是巴赫的作品卻對薩克斯管產生了深遠的影響。很多作品雖然為改編移植，但在古典薩克斯管演奏曲目中卻占據著重要的地位。直至今日，巴赫的作品依然有著旺盛的生命力，許多偉大的薩克斯管演奏家都會演奏巴赫的作品，尤其是《六首無伴奏大提琴組曲》，更是體現個人技術水平和音樂修養(yǎng)的試金石。

《無伴奏大提琴組曲》在薩克斯管上的“演變”

巴赫的《六首無伴奏大提琴組曲》創(chuàng)作于1717至1723年，是他在科騰時期創(chuàng)作的。這時的巴赫已經人到中年，在音樂創(chuàng)作中開始掙脫宗教音樂的束縛，更多地滲入了人的情感，更加深入地去描繪人類社會的美好理想。這六首組曲使用了大量民間音樂的素材，世俗的意味濃厚，是一部表達內心思想的作品。不僅如此，巴赫還開創(chuàng)性地使用當時僅僅是低音伴奏的大提琴作為無伴奏的獨奏樂器，將復調技術運用其中，極大地挖掘了大提琴的潛力，給予演奏者更廣闊的表現自我的空間。

薩克斯管是一件發(fā)明很晚的樂器，早在十九世紀中期，也就是其誕生之初，還沒有作曲家專門為薩克斯管創(chuàng)作作品。為了大力推廣這件樂器，薩克斯管演奏家就開始大量采用改編作品。薩克斯管那無與倫比的音色立刻受到了人們的喜愛，一大批評論家、作曲家都給予了這件樂器極高的評價，它也因為其音色豐富的表現力和延展性，對移植作品的演釋能力相當強。當時巴黎歌劇院的薩克斯管獨奏家路易-阿道夫·馬耶爾（Louis-Adolphe Mayeur，1837-1894）移植了一大批作品，其中有部分沿用至今。直到十九世紀后期，專門為薩克斯管創(chuàng)作的作品才開始大量涌現，但是移植改編的經典作品仍然層出不窮，美國薩克斯管演奏家崔特·克納斯頓將巴赫的《六首無伴奏大提琴組曲》完整地移植到了薩克斯管上，于1995年出版。

巴赫《六首無伴奏大提琴組曲》的原作基本以單音旋律為主，并且前五首的音域范圍大多在兩個半八度以內，因此特別適合改編成薩克斯管演奏。第六號組曲的音域較廣，為三個半八度，因此會有超高音的出現，但是改編者做了適度的調整，使得演奏者可以根據自身的能力和喜好有所選擇。為了更好地適合薩克斯管的音域范圍，改編的版本在調性上做了一定的調整：第一組曲從G大調移至F大調；第二組曲從d小調移至c小調；第三組曲從C大調移至降B大調；第四組曲從降E大調移至D大調；第五組曲由于要求大提琴向下調低A弦一個大二度至G以獲得一種更加暗淡的高音區(qū)音色，從而導致整個音域縮減了一個大二度，因此薩克斯管依然能保持原來的c小調不變；第六組曲從D大調移至C大調。（所有后一個調性都是指薩克斯管譜面上的調，使用不同種類的薩克斯管來演奏聽上去調性會有所不同。）這套改編版本的譜面標注非常詳細，包括發(fā)音方式、呼吸點的確定、音量表情都相當具體詳盡，具有很高的參考價值。但是改編者克納斯頓表示他的標注只是給演奏者提供建議和參考，鼓勵演奏者在演奏中融入自己獨特的個性和審美。

拉里·蒂爾在1963年出版的《薩克斯管演奏藝術》中總結的“薩克斯管學習、演奏材料精選目錄”中，巴赫作品在各個程度均有所涉及，但由于這套《六首無伴奏大提琴組曲》的薩克斯管移植版是在1995年出版的，因此沒有被收錄到這個精選目錄中。現在這套作品的移植版本已經被眾多薩克斯管演奏家所演奏，如日本的須川展也（NobuyaSugawa）、法國的大衛(wèi)·文森特（David Vincent）等均在這部作品上有很深的藝術造詣，后者在來華舉辦的獨奏會上就以《第一無伴奏大提琴組曲》作為開場曲目，這部作品的分量可想而知。

薩克斯管詮釋《六首無伴奏大提琴組曲》

巴赫的《六首無伴奏大提琴組曲》的結構基于標準的巴洛克組曲，由四首歐洲古老舞曲——阿勒曼德、庫朗特、薩拉班德以及基格舞曲——配以一首插入舞曲（如小步舞曲、布列舞曲或加沃特舞曲，通常成對出現），再加上前奏曲組成。所有的舞曲都是二部曲式，但是沒有一首是用來給舞蹈配樂的，因為這些舞蹈和舞曲在當時已經過時了，它們是作為器樂作品欣賞之用。

音樂是充滿生命力的，如果要演奏出可以打動人的音樂，除了良好的基本功和豐富的音樂表現力之外，還有一點至關重要，那就是演奏家的藝術修養(yǎng)。巴赫的音樂簡約但不簡單，可以說是非常的單純質樸，但是要把這簡單的音符變成極具魅力的音樂，其實是非常有難度的，這需要演奏者對音樂有著深入透徹的理解。我國老一輩弦樂藝術家韓里先生曾經精辟地概括了巴赫的弦樂藝術風格：在充實的審美內涵和完美的結構中，經過強有力的思辨過程引人進入理想境界的樂觀精神，這是巴赫弦樂藝術風格的根本特征。

大提琴演奏家卡薩爾斯在演奏巴赫的作品時就非常重視“直覺感受”，不拘泥于各種條條框框。他在大提琴組曲的教學中常常告誡學生，不要機械地托音符，而要表達巴赫音樂作品的思想內容。大提琴演奏家米沙·麥斯基說：“對于這部作品，我感覺人們總是把巴赫當作一個圣人。當然，巴赫是迄今為止最偉大的圣賢之一，但我相信這位偉大的作曲家還不僅僅如此，十八世紀的人們也像其他時代的人們一樣擁有許多感情，巴赫是最偉大的浪漫主義者。”

巴赫的《六首無伴奏大提琴組曲》用不同的調性寫成，每一種調性都有其獨特的含義：G大調是明亮的色彩；d小調是悲傷而強烈的；C大調是燦爛的；降E大調是莊嚴的；c小調是一種暗而強烈的顏色；D大調預示著輝煌，如一束陽光般炫目耀眼。這是對音樂的一種想象，也是演奏時需要在頭腦中形成的一種觀念，在它的引導下，可以比較正確地把握每一首組曲的基調。這可以理解為巴赫其實是借用音樂來投射對現實的寫照、對人生的感悟以及對未來的美好憧憬，表達了自由、平等、博愛的思想情感。六首中的第一首是明亮的，前奏曲已經預示了其基調，因此在演奏時必須是富有朝氣、生機盎然的。雖然每一段舞曲的風格不同，但是總體要表現出青春洋溢的基調。

當然，每一位演奏家對作品的詮釋和對音樂的理解表達不可能千篇一律，會有自己的個性，但是在保持個性的同時不可離開對作品本身所傳遞的精神的理解，也就是說個性也好，創(chuàng)新也罷，都是基于一定的立足點的，這是藝術的規(guī)律，也是能被大家所認可的前提。藝術修養(yǎng)的提升要靠長年的積累，要把它當成一生的追求，就拿這套組曲來說，卡薩爾斯用了十二年的時間研究這套作品，史塔克先后錄制了五個版本。通過練習和演奏巴赫的這套組曲，了解這部作品一定的背景知識，再加上聆聽不同演奏家對這部作品的演釋，對于提升藝術修養(yǎng)具有很大的益處。更為重要的是，演奏者自身的審美能力得以提高，這樣在演奏其他作品時，可以站在一個更高的層面上，舉一反三，更準確地把握作品的精髓。